Die besten Alben des Jahres 2023 (bisher)

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Irgendwie ist es schon Juni und in unserer Welt bedeutet das, dass die Festivalsaison begonnen hat. Es ist auch ein guter Zeitpunkt, eine Bestandsaufnahme all der Musik zu machen, die uns (bisher) im Jahr 2023 gefallen hat. Für diese Liste zählen wir nur Projekte, die zwischen dem 1. Januar und dem 1. Juni 2023 veröffentlicht wurden, d. h. a Zahlreiche großartige Alben vom 2. Juni haben es nicht geschafft. Hier finden Sie in alphabetischer Reihenfolge unsere Auswahl der (bisher) besten Alben des Jahres 2023.

Die ersten beiden Alben von Altın Gün strahlten den Glanz ihrer ausgedehnten Live-Show aus, bei der das Sextett traditionelle türkische Lieder mit Conga-lastigen Funk-Grooves und psychedelischen Gitarren wiederbelebte. Während der Pandemie-Isolation fand das Unternehmen einen neuen Weg nach vorn und integrierte Computer und Drumcomputer für Yol und Âlem im Jahr 2021. Aber es war schwer, das echte Vintage-Feeling auf dem Boden nicht zu übersehen – ein Problem, das auf der fünften LP der niederländisch-türkischen Band, Aşk, ausgeräumt wurde, die einige aufregende neue Sounds einstreut (das Ambient-Pedal-Steel-Funkeln von „Güzelliğin“) on Para Etmez“, das Stoner-Metal-artige Intro von „Rakıya Su Katamam“). – Ryan Reed

Katherine Paul, die als Black Belt Eagle Scout auftritt, festigt ihren Platz als eine der aufregendsten jungen Indie-Stimmen in „The Land, The Water, The Sky“. Sie würdigt ihre swinomischen Wurzeln mit einem atemberaubenden Porträt ihrer einheimischen Abstammung, das sowohl das Trauma als auch die Schönheit ihrer kanadischen Heimat und des nahegelegenen Skagit River einfängt. Üppige Gitarren, Streicher und Mellotron rufen die widersprüchliche Gelassenheit und Spannung in Liedern wie „On the River“ und „Sedna“ hervor, während die Verbindung zur Heimat durch die Präsenz der Stimmen ihrer Eltern im vorletzten Titel „Spaces, „mit dem dröhnenden Gesang ihres Vaters, der das Lied abschließt. — Tatiana Tenreyro

Der Singer/Songwriter Brian Dunne führt die große amerikanische Tradition fort, einen Liebesbrief an New York City zu schreiben, nachdem es ihn ein Jahrzehnt lang geistig vernichtet hatte. Loser on the Ropes ist voller Persönlichkeitskrisen, U-Bahn-Erleuchtungen und vielschichtiger Melodien, die so unwiderstehlich sind wie der Geruch von Speck, Ei und Käse, der um 3 Uhr morgens aus der Bodega weht. Das Album gleitet von einem einhüllenden, den ganzen Körper durchdringenden Sound à la War on Drugs und The National, mit dem Unterschied, dass keine dieser Bands jemals zugab, eine „Schopenhauer-Ära“ zu haben (Track sieben: „The Optimist“). In Dunnes Liedern geht es fast immer um Menschen, die ihren Schmerz verbergen, sich zurückhalten und/oder schweigend leiden. „Was wirst du tun? Herumsitzen und sterben?“ fragt er bei „Rockaway“. „Oder schnapp dir einen Bagel und sag alles in Ordnung?“ Wie jeder New Yorker weiß, gibt es nichts, was ein Kohlenhydrat nicht lösen kann. – Sarah Grant

In der französischen Mythologie des 14. Jahrhunderts war Mélusine halb Frau und halb Schlange, die von ihrem Geliebten verraten wurde, sich in einen Drachen verwandelte und davonflog. Mélusine ist halb französisches Chanson, halb eigenwilliges Kunstlied, das in seinem Verlauf seine eigene erhabene Majestät offenbart. Mit drei Grammys und einem MacArthur „Genius“ Award hat Salvant ihren frühen Status als einfallsreichste und aufregendste Jazzinterpretin ihrer Generation bereits weit übertroffen. Um diese fantastische Geschichte darzustellen, geht sie noch einen Schritt weiter und reicht von Troubadour-Balladen aus dem 12. Jahrhundert bis hin zu einem Lied aus dem obskuren kanadischen Rockmusical Starmania der 70er Jahre (und einigen Originalen), das größtenteils auf Französisch, haitianischem Kreyol und sogar der alten okzitanischen Sprache gesungen wird . Bei Salvants Musik geht es nicht nur um Nebeneinanderstellung – es geht um Synthese und Transformation, genau wie bei Mélusine. — Steve Hochman

Country-Musik und EDM sind seltsame Bettgenossen, und Fusionen der beiden neigen dazu, kampflustige Kulturkonflikte zu sein, wie Zac Browns „Folktronica“-Nebenprojekt Sir Rosevelt. Zum Glück hat das Los Angeles-Trio Cheat Codes einen ungewöhnlichen Kompromiss zwischen Pop-Country-Ballade und Dancefloor-Euphorie gefunden. One Night in Nashville ist ein seltsames Schmelztiegel-Album, auf dem Russell Dickerson in „I Remember“ Third Eye Blind über einen Trop-House-Groove namentlich erwähnt und in „Bets on Us“ große Beats und Banjos mit Dolly Parton den Raum teilen. Eindringliche Melodien und verliebte Texte sind es jedoch, die all die Steel-Gitarren und Rave-Synthesizer wirklich zusammenhalten. – Al Shipley

Won't He Do It führt die Griselda-Records-Tradition des klassischen NYC-Street-Rap der 90er Jahre à la Jadakiss, Biggie oder Raekwon fort, auf den Punkt gebracht und so chillig, wie Drill-Rapper laut sind. Der hauseigene Melodienschmied Daringer trägt die LP mit Beats, die halbfertig wirken, sich aber nie so anfühlen, viele ohne Schlagzeug. Es ist ein offener Bühnenansatz, der perfekt zu Conways rahmenwürdigen Bars und den klaren Traumraps von Bruder Westside Gunn passt (siehe das wilde „Brucifix“). Wenn Schlagzeug auftaucht, ist es oft die wunderbar abnorme und klobige Art („Stab Out“ und „Brick Fare“), die dazu neigt, unwillkürliches Kopfnicken und böse Gesichter hervorzurufen. Vollgepackt mit großartigen neuen Möglichkeiten, Kokain, schwere Waffen und Reichtum zu beschreiben, bleibt Won't He Do It trotz seines begrenzten Themas durchweg faszinierend und intelligent. — Jonathan Rowe

Das heutige Leben hat eine dunkle Unterströmung – ein vielschichtiges Gefühl der Verzweiflung. In einer Welt, die auf Messers Schneide steht, sind wir alle stärker miteinander verbunden und abgeschottet als je zuvor, und der menschliche Tribut kann demütigend sein. Jackson Abdul-Salaam aus Portland, Oregon, der als Commuter aufnahm, hat dies zu seinem großen Thema gemacht. „No Longer Penitent“ ist ein Flickenteppich aus Feldaufnahmen und rohen Lärmsalven, bei denen es weniger um Geschichtenerzählen als vielmehr um schlechte Stimmung geht. Sie werden Stimmen am Rande von „Two Mattresses Dragged Beneath the Freeway. Emotionally Comatose“ hören, aber das ist nicht das (wörtlicher ausgedrückte) dystopische Geschwätz von Josh Petersons Collected Voice, Text and Tape Works. Vielmehr ist Abdul-Salaams Musik wie ein unfassbarer Möbius-Strip-Loop aus zerbrechendem Glas, brennendem Metall und ohrenbetäubenden Frequenzen – ein psychischer Spiegel, der einem gesellschaftlich schlechten Tag vorgehalten wird, der wahrscheinlich nicht so schnell enden wird. – Raymond Cummings

Können Sie es kaum erwarten, Rosalias Nachfolger zu Motomami zu sehen? Könnten wir Demira vorschlagen, tagsüber eine niederländische Doktorandin und abends Produzentin, Dichterin und Gitarren-Mastermind, die diese Welten zu einem wunderbaren Debüt verschmolzen hat? Iggy ist ein Schöpfungsmythos, der sich wie ein Kaleidoskop entfaltet, das auf ihr ruheloses Herz gerichtet ist. Demira verfügt über eine betörende Fähigkeit, die unwahrscheinlichsten Referenzen zu kombinieren – klassische indische Instrumente („Dismas“), Die Geburt der Venus („Cheap Date“), schleichende Depeche-Mode-Synthesizer („Two Halves of a Whole“) und Diät-Cola Frühstück („Salai“) – in berauschende Schätze, die auch eine Tanzfläche auf Ibiza zum Leuchten bringen könnten. Herausragend ist „Metropolis“, eine atemberaubende Beschwörung der Angst, die fragt: „Ist unser Leben nicht darauf ausgerichtet, das männliche Verlangen zu enttäuschen?“ Nur dass sie nicht wirklich fragt. — SG

Enigmatic Society, eine weitere schillernde Mischung aus Jazz, Hip-Hop und R&B der Genre-Titanen Terrace Martin, Kamasi Washington und Robert Glasper, funktioniert in einem Nachtclub mit mindestens zwei Drinks genauso gut wie in einem Coachella-Zelt. „Insane“ featuring Ant Clemons ist eine rauchige, sax-farbene Ode an die Liebe, die so gut ist, dass sie schlecht für dich ist, während Sänger Arin Ray mit Jams im Soulquarian-Stil wie „Breathe“ und „For Granted“ brilliert. Die kollektive Beherrschung von Groove und Atmosphäre durch Dinner Party ist am besten in „The Lower East Side“ zu hören, wo Washingtons Saxophon um eine Synthesizer-Basslinie tanzt, die nicht weit vom Territorium von Beverly Hills Cop entfernt ist. – Jonathan Cohen

Bei all der vom When We Were Young Fest angeheizten Nostalgie für den Emo der Mitte der 2000er Jahre ist es nicht verwunderlich, dass kluge Überlebende wie Fall Out Boy im Jahr 2023 auf ihre Vergangenheit zurückblicken Das Album knüpft dort an, wo der brillante Flop Folie a Deux aus dem Jahr 2008 aufgehört hat, mit einer Reihe bombastischer, gelegentlich funkiger Arena-Rock-Hymnen. Ganz gleich, ob sie mit dem Refrain-Pedal-Riff bei „Fake Out“ an Cure der 80er Jahre erinnern oder das London Metropolitan Orchestra für die Disco-Streicher bei „What a Time To Be Alive“ engagiert, „So Much (for) Stardust“ bringt die vielfältigen Geschmäcker von Fall Out Boy ohne EDM zum Ausdruck Glanz seiner ungleichmäßigen 2010er-Alben. - ALS

Es ist immer erfrischend, wenn uns ein großartiger Künstler überrascht. Leslie Feist, konsequent kompromisslos, nimmt uns mit auf ihre epische Odyssee in Multitudes, wie nur sie es kann. Das Album wurde in einer Zeit großer Veränderungen in ihrem eigenen Leben geschrieben und spiegelt ein stürmisches Meer von Emotionen wider, während sie einige der größten Geschenke und Kummer der Menschheit bewältigt: Leben und Tod. Feist hat uns immer große musikalische Geschichten erzählt, auch wenn sie erstaunlich leise sind. Dieses Mal – und wir werden nie erfahren, wie – ist ihre persönliche Inspiration immer noch so universell. — Lisa Lentini

Radical Romantics ist eine weitreichende Hommage an queere Liebe und reicht vom Nervenkitzel des Verlangens nach sinnlicher Berührung bis hin zur Suche nach Rache an einem Tyrannen. Karin Dreijer entführt uns in einen herrlich zwielichtigen Nachtclub, in dem selbst die schüchternsten Gäste bei den pulsierenden Beats von Songs wie „Shiver“ und „Kandy“ mit wunderschönen Fremden ins Schwitzen kommen. Es ist schäbiger als die Deep Cuts-Ära von Dreijers geliebter anderer Gruppe The Knife, fühlt sich aber auch süßer an, mit viel Herzklopfen unter dem Verlangen. Angesichts der vielen Diskussionen rund um das Indie-Sleaze-Revival könnte dies die Veröffentlichung sein, die am besten zum Wiederaufleben der Bewegung passt und zeigt, dass die neue Version Substanz haben und dennoch lustig und lasziv sein kann. – TT

GloRilla war der Durchbruch des Southern Rap im Jahr 2022 und stürmte die Branche zusammen mit vier anderen hungrigen Memphis-Rappern, die zusammen als Glitter Gang bekannt sind. Mit dem Cheerleader-Gesang „Shabooya“ landete das Quartett einen Radiohit und Gloss Up etablierte sich bei ihrem Debütprojekt für Quality Control schnell als potenzieller Solostar. Bevor Gloss Up das Old-School-Memphis mit hämmernden Beats von Twysted Genius und Hitkidd auf den neuesten Stand bringt, ist Gloss Ups munterer Scheißgerede die Hauptattraktion: „Ich habe Anhänge verschickt, aber verdammt noch mal, ich kann mich nicht anhängen/Mein Geld ist es.“ unübertroffen, habe meinen Coach auf „mix-matched“ eingestellt/ Ich habe mich auf diese Huren eingelassen, wo zum Teufel ist mein Sixpack?“ - ALS

Dieses produktive britische Klavier-/Bass-/Schlagzeug-Trio war schon immer in einem abenteuerlichen Jazz-Sound verwurzelt, aber die Ankunft des neuen Strichmännchens Jon Scott hat seine neueste Musik an andere und aufregende Orte gebracht. Songs wie „Friday Night Film Special“ und „Glow“ sind gleichzeitig angespannt und meditativ und entstanden aus langen Jams. Sie erinnern an die filmischere Seite von DJ Shadow aus der Endtroducing-Ära. An anderer Stelle verleihen subtile Synthesizer den pointillistischen Melodien von „Glimmerings“ und „Saturnine“ Wärme, während der Titeltrack und „Parasite“ mit dem Kopf nickende, polyrhythmische Genüsse bieten. Abgesehen von der Musik selbst ist jede Gruppe, die den Mumm hat, im Jahr 2023 jeden Abend einen Flügel in Rockclubs zu schleppen, sicherlich Ihre Zeit und Aufmerksamkeit wert. – JC

Dieses Debütalbum des in London geborenen und in Norwegen lebenden Universalgelehrten ist eine leicht theatralische Mischung aus Feierlichem und Seligem. It Goes Without Saying ist ein Wirbel aus unkonventioneller Instrumentierung, Feldaufnahmen, Tonbandbearbeitungen und Popes abstrakten Monologen und trägt eine einzigartige Außenseiter-Energie in sich, und wenn man sie durchspielt, kann man sich anfühlen, als würde man ahnungslos in einem Remix der gütigen Tagträume eines Fremden auftauchen. „Shot Film“ vereint Schnitte und Sprünge, als würde eine Nadel auf einer lebenden, leeren LP herumhüpfen. Bei „Dipping the Bells“ begleitet die Gastglockenspielerin Laura Marie Rueslåtten Proben von rauschendem Wasser und Vogelgezwitscher. „Die Ränder sind klein, wenn das Bett umso nasser wird“, rätselt Pope im Titeltrack, während Glasoberflächen singen, Effekte raufen und Treibsandlachen darauf warten, wie Staubsauger an seiner Stimme zu saugen. — RC

„Sunburned“ des Duos Illiterate Light aus Harrisonburg, Virginia ist von Verzerrungen umhüllt, wobei die Stimme von Frontmann Jeff Gorman oft in Hall getaucht ist und seine Gitarren und Basslinien mit Fuzz verkrustet sind. Das zweite Album der von Neil Young beeinflussten Band hat die düstere und trostlose Atmosphäre von Youngs „Ditch Trilogy“-Ära, gelegentlich aufgehellt durch die klingenden Akkorde von „Light Me Up“ oder den trocken-witzigen Text von „Fuck LA“. Schlagzeuger Jake Cochran erweckt Gormans traurigste Songs jedoch wirklich zum Leben, indem er sein Schlagzeug mit Bonham-artigen Grooves umspielt, die um den psychedelischen Ohrenschmaus tanzen, und „Heaven Bends“ vom synkopierten Synthie-Pop zu einem kathartischen Höhepunkt aufbaut, der sich wie ein schlechter Trip anfühlt. - ALS

Superdrag und Lees of Memory-Frontmann John Davis, ein alternativer Nachkomme der Big Star und Hüsker Dü Mitte der 90er Jahre, überlebte den MTV Buzz Bin und wurde einer der stärksten und beständigsten Power-Pop-Songwriter. Obwohl „My Hope Is Found…“ offensichtlich auf dem Evangelium basiert, bleibt es mit seiner Botschaft achtsam und sanft und für jedermann zugänglich. Davis spielt jedes Instrument in einem vollständig analogen Produktionsansatz direkt auf Band und erkundet Stile vom Detroit R&B der 60er Jahre („I Should've Known“) bis zu den Beach Boys der 70er Jahre, Solo-McCartney und dem jazzigen Elliott Smith („Sunny Climes“). ) und sogar Holy Shoegaze („You Never Let Me Go“). Damit die Leute nicht immer wieder vergessen, dass Jesus ein gesellschaftlicher Ausgestoßener war, der die Kirche der Menschen mied, beschreibt Davis das Album als Ausdruck „des wahren Evangeliums … nicht des Evangeliums der Waffen, des Hasses auf Migranten und die LGBTQ+-Community.“ – JR

Beim ersten Hören wird das lang erwartete gemeinsame Album von Produzent Kaytranada und Rapper Aminé etwas von hochkarätigen Gästen wie Freddie Gibbs, Snoop Dogg und Pharrell Williams überschattet, deren Refrain-Hook beim stolzierenden „4EVA“ ein wenig Süße hinzufügt ansonsten fragwürdige Texte („Ich starre in deine Augen, aber du starrst auf meine Lippen / Du redest von deiner Mama, aber du denkst an meinen Schwanz“). Zum Glück verwandeln Kaytranadas Sample-lastige Produktionen, die von Tropicalia und der obskuren britischen 70er-Jahre-Jazzgruppe Both Hands Free bis zum R&B-dominierten Love Jones-Soundtrack von 1997 reichen, das Material in ein ideales Sommer-Grillgebiet im Hinterhof. – JC

Pops Hohepriesterin des Benzodiazepin Noir spendet auf ihrem neunten Album starke Dosen. Von seinen 16 Songs ist der Titel „A&W“, auch bekannt als „American Whore“, der psychoaktivste in seiner geschickten Transformation von üppiger Akustikballade zu schmutzigem Trap-Hop. Es ist eine gelungene und sinnliche Veränderung, aber wie die Erzählung selbst (die die gefühllose Unbekümmertheit des Verwendeten nachzeichnet) ist die Schönheit der Melodie und ihrer Bewegungen untrennbar mit ihrem Nihilismus verbunden. Sogar leichter getönte Titel wie der Opener „The Grants“ (Del Reys Vorname ist Elizabeth Grant) sind diskrete Übungen der Subversion, und frühe Andeutungen auf etwas Gesundes durch Mädchenzeit, Familie und sogar John Denver verwandeln sich bald sanft in lächelnde Sinnlosigkeit. — Matt Thompson

Die beste neue schwedische Metal-Band kommt aus … Minneapolis? Mit moderner Disziplin verehrt Majesties' Debütalbum Göteborgs Melodic-Death-Metal-Sound der 1990er Jahre, wo bittere, sonnenlose Härte auf die Melodien von Iron Maiden trifft. Die Gruppe übernimmt die Wendungen und Wendungen der frühen „At the Gates“ und „In Flames“, ist jedoch bemerkenswert auf den Punkt gebracht, ohne der langweiligen Kommerzialisierung zu erliegen, die Göteborg später plagte. Wenn man bedenkt, dass viele „neue“ Old-School-Bands versuchen, so dämlich wie Mortician zu sein und scheitern, ist es willkommen zu sehen, wie Songkunst, Melodie und Emotionen auf einem Death-Metal-Album wie Vast Reached Unclaimed an oberster Stelle stehen. — Andy O'Connor

Vom bahnbrechenden Jazz-Trio BADBADNOTGOOD, das er mitbegründet hat, bis hin zu Kendrick Lamar und Rosalia, für die er Lieder geschrieben hat: Matthew Tavares hat im letzten Jahrzehnt einer schwindelerregenden Bandbreite an Musik seinen einzigartigen kreativen Stempel aufgedrückt. Allerdings war die Essenz des Menschen Tavares noch nie so wunderbar offensichtlich wie auf dieser neuesten Solo-Veröffentlichung unter dem Namen Matty (er hat das Ganze geschrieben, produziert, aufgeführt, gemischt, konstruiert und gemastert). Der Titeltrack verwandelt die Melodie von George Harrisons „What Is Life“ in einen von Bongo durchdrungenen, bekifften Lagerfeuer-Jam, während „Eu Pergunto Isso a Vocé“ und „Ao Luar“ zeitversetzt aus einer Akustikgitarrenaufnahme von Windham Hill aus dem Jahr 1982 wirken , und „Meu Coracao No Seu“ beginnt im Lo-Fi-Schlafzimmer-Territorium, bevor es sich in 45 Sekunden lang alternativen Reggaeton-Universums verwandelt. ¡Dios mio! – JC

Niemand hätte es Nickel Creek vorwerfen können, dass sie bei ihrer jüngsten Wiedervereinigung ein wenig auf Nummer sicher gegangen sind, indem sie auf Tour ihren bei den Fans beliebten Prog-Gras wieder zum Leben erweckt haben, eine vertraut klingende LP herausgebracht haben, wenn der Zeitplan es zuließ, und sich dann wieder den jeweiligen Karrieren ihrer Mitglieder gewidmet haben. Stattdessen schrieb und nahm das Trio ein überaus ehrgeiziges fünftes Album mit dem Titel „Celebrants“ auf, das alle vorherigen Werke in den Schatten stellt, einschließlich seines Vorgängers „A Dotted Line“ aus dem Jahr 2014. Es ist alles da: atemberaubendes Instrumentalspiel zwischen Mandoline, Gitarre und Geige („Going Out“), absolut perfekte Harmonien („The Meadow“) und tränenüberströmte Refrains für introspektive Autofahrten („Stone’s Throw“). Wir sehen uns in weiteren neun Jahren. — RR

Die erstaunliche Beständigkeit von Obituary täuscht über das kontinuierliche Wachstum der Death-Metal-Legenden aus Tampa, Florida, hinweg, die nicht nur zu den tightesten Live-Bands des Metal gehören, sondern sich auch selbst treu geblieben sind, ohne abgestanden zu werden. Mehr als ein Jahrzehnt nach seinem Beitritt bleibt Gitarrist Kenny Andrews ein glühender Kontrast zu Trevor Peres und seinem schlammigen Riffing, das die sumpfige Düsternis von Obituary mit elektrisierenden Leads durchdringt. Peres gleitet auch nicht auf altem Ruhm und abgenutztem Blue-Grape-Merchandise herum: Er steckt tiefer in den Grooves als je zuvor und genießt ihre berauschende Kraft. Sänger John Tardy klingt zum Glück immer noch wie John Tardy. — AOC

Der durchgeknallte Industrial Metal von Primitive Knot hat in letzter Zeit die zweite Hälfte dieser Fusion betont (Ur Metal vom letzten Jahr war praktisch das beste Ministry-Album seit Jahrzehnten). Mit „Undying Lands“ sind die im britischen Manchester beheimateten Band mit brandheißer mechanischer Brutalität sogar noch einen Schritt weiter gegangen und haben eine gesunde Portion mittelschnelles Celtic-Frost-Riffing hinzugefügt. Die Reduzierung der Geschwindigkeit funktioniert bei Tracks wie „Into The Mouth of Madness“ und dem „OUGH!“-würdigen „Hour of the Wolf“, wobei gefühllose, knallende Percussion den hämmernden Schlag der Gitarren verstärkt. Bei diesem Tempo bringt Primitive Knot die Leistung vor Maschendrahtzäunen zurück. — AOC

Dungeon-Synthesizer verzichten, wie der Black Metal, aus dem er hervorgegangen ist, normalerweise auf Wiedergabetreue. Australiens Quest Master katapultiert das Genre mit „Sword & Circuitry“ in Richtung Sonnenlicht und enthüllt neue Dimensionen in einem abgeschotteten Sound. Durch die Betonung der Percussion macht Quest Master einen gewaltigen Sprung nach vorne und verwandelt ruhige Keyboardmelodien in gerechte Kreuzzüge. „Cerulean Depths“ verwandelt sich von einer eisigen Séance in einen Abenteurerruf, wenn das Schlagzeug einsetzt, und die treibenden Beats von „Hanging Garden of Chrome“ könnten neben jedem Skinny Puppy-Track auf der Tanzfläche eines Gothic-Clubs passen. Sword & Circuitry ist nicht der Nostalgie einer erfundenen mittelalterlichen Zeit verpflichtet – es ist eine eigene fantastische Welt. — AOC

Der japanische Komponist nahm „12“ spät auf, als die Sterblichkeit sich dem Ende eines fast zehnjährigen Tanzes mit dem Krebs näherte. 12 wurde im Januar, zwei Monate vor seinem Tod, entlassen und ist keine morbide Stunde. Es geht vielmehr auf akustischen Pfaden der Anmut und Ehrfurcht. Einige Titel, Stichwort „20211201“, sind leichter und luftiger als andere, aber noch vollere, üppigere Stücke wie „20220214“ deuten eher auf ein leeres Grab hin als auf eines voller Erde und Verfall. — MT

Rx Papi verwischt ständig die Grenze zwischen realen Geschichten über Drogenhandel und Erschießungen während seiner Kindheit in Rochester, NY, und einer reichhaltigen Mischung aus Geschichtenerzählen um des Geschichtenerzählens willen. Für viele Zuhörer ist Rx Papi vielleicht einfach ein bisschen zu viel. Wenn Sie jedoch die herumfuchtelnden Waffen auf Instagram Live hinter sich lassen, werden Sie einen außergewöhnlich talentierten Rapper finden, der Tag für Tag versucht, durchs Leben zu kommen, sei es, indem er sich positiv mit Ray Charles („Smacc Man“) vergleicht. die Konkurrenz mit Hilfe des langjährigen Mitarbeiters RXK Nephew („Chinese Restaurant“) zu besiegen oder ein absurdes, Unkraut verkaufendes Alter Ego zu erfinden, das Cola auf Eis trinkt – und ganz bestimmt keine Gratisproben gibt („Zaza Man“) ). – JC

Es ist leicht zu erkennen, wann ein Künstler den Sprung von „talentiert und könnte es schaffen“ zu „endlich angekommen“ schafft, und genau das hat Ruston Kelly bei The Weakness getan. Nach einem schwierigen Beginn des Jahrzehnts, in dem er sowohl seine Ehe als auch Nashville aufgeben musste, kauerte sich der Singer/Songwriter nieder und machte sich an die Arbeit an der Musik – und an sich selbst. „Let Only Love Remain“ blickt ohne Vorwürfe auf seine Scheidung von Kacey Musgraves zurück, während Kelly in der sanften Beichte „The Mending Song“ endlich Frieden mit sich selbst findet, während er mit dem Schmerz zurechtkommt, der den größten Teil seines Erwachsenenlebens geprägt hat. Nicht alles ist ernst, denn „Michael Keaton“ zeigt die humorvolle Seite eines talentierten Künstlers, der zu Recht sein Recht verdient. – Weiß nicht

Mitglieder des Houstoner Crossover-Quintetts Skourge haben ziemlich große externe Verpflichtungen – Gitarrist Jacob Duarte und Schlagzeuger Carson Wilcox spielen bei den Alt-Rock-Revivalisten Narrow Head, und Sänger Seth Gilmore singt auch bei Fugitive. Dennoch ist es der Gruppe gelungen, mit Torrential Torment ein Event der Auslöschungsstufe zu verhindern. Allein das aufgedrehte Chug-Bass-Intro des Titeltracks ist dieses Jahr härter als 99 % des Metals, und wenn der Rest der Band einspringt? Ihr Gesicht und der Beton sind zu diesem Zeitpunkt im Grunde enge Freunde. Das neu aufgenommene Live-Klassikerstück „Freedom Denied“, dessen Originalversion aus dem Jahr 2016 stammt, ist geradezu wahnsinnig, mit heftig wirbelnden und kreuz und quer gegeneinander wirbelnden Gitarren. Im Grunde genommen, wenn „Rapture“ von Morbid Angel auf Master Killer von Merauder wäre – ja! Vor allem Texas. — AOC

Bittere Schimpftiraden. Schläge. Pochen. Sticheleien. Korrodierter Funk. Punk-Hop. Post-Punk. Post-Hoffnung. Zerbrochene Geschichten. Neid. Beschuldigen. Selbsthass. Wut. Munt-Musik. Drehen Sie es auf und tanzen Sie, als ob es Ihnen egal wäre, in einem Raum voller wertvoller zerbrechlicher Gegenstände von jemand anderem. Break Dance. Rattentanz. Munt-Tanz. Wen interessiert das. Hören Sie sich UK Grim nicht an, wenn Sie es nicht mögen, wenn räudige Engländer darüber fluchen, wie blödsinnig alles sei. Niemand hier möchte, dass du das Licht siehst. Aber wenn Sie ein bisschen verrückt sind, dann drehen Sie es verdammt noch mal auf und zucken Sie. — MT

Sunny War hat sich vom High-School-Akustik-DIY-Punk zum obdachlosen Straßenmusikanten in Venedig und zur gefeierten Folk-/Blues-verwurzelten Singer/Songwriterin entwickelt und schleudert auf ihrem verblüffend persönlichen neuen Album giftige Pfeile – viele zeigen direkt auf sie, andere haben bereits Fleisch gefunden. Die Songs wurden größtenteils in ihrer Wohnung in Los Angeles geschrieben, bei ausgeschaltetem Licht und leeren Flaschen, die sie nach einer Trennung umgaben. Sie setzen sich mit Depressionen, Sucht und dem Tod der Liebe auseinander und wirken dennoch einladend in ihrer Dunkelheit. Der Ton wird mit dem Opener „Love's Death Bed“ vorgegeben, dessen Düsternis auf Kaskaden geschickten Fingerpickings und temperamentvollen, Gospel-ähnlichen Call-and-Response schwebt, mit einem Refrain, zu dem Gast Allison Russell gehört. Die Mischung aus offenen Emotionen und einnehmenden Tönen setzt sich durchgehend fort, von lebhaften Gruppengesängen bis hin zu gedämpfter, einsamer Kontemplation. Es gibt auch Feuer: Auf einem Cover von Weens „Baby Bitch“ singt ein Kinderchor (eigentlich drei erwachsene Männer mit beschleunigten Stimmen im Chipmunks-Stil) „Fuck you, you stinking asshole.“ - SCH

Über 20 Jahre und neun Alben haben sich die Hold Steady von Amerikas größter Barband zu einer der größten Bands Amerikas entwickelt. The Price of Progress treibt seine donnernde Marke aus Punk, Blues und Rock weiter voran als je zuvor. Das zahlt sich aus mit unwiderstehlichen Curveballs wie „Understudies“, einem Song über das Showbusiness mit einem funkigen Groove im „Miss You“-Stil der Gitarrenhelden Steve Selvidge und Tad Kubler. Auf dem wogenden „Distortions of Faith“ geht alles direkt in den Himmel über einen Popstar, der einen bezahlten Auftritt in einer Diktatur annimmt und versucht, auf dem Rückflug nicht zu sehr darüber nachzudenken. Tatsächlich schreibt niemand so gut wie Craig Finn. Die Rätsel des Glaubens und der Zerbrechlichkeit, die frühe Alben wie „Separation Sunday“ und „Boys and Girls in America“ durchdringen, haben sich zu einem Unbehagen mittleren Alters ausgeweitet, in dem der Lauf der Zeit wie ein grausamer Witz schwebt. Finn konzentriert sich auf Menschen, die sich mit „Faksimiles des Spaßes“ beschäftigen: Eheleben („Perdido“), von Adderall angetriebene Kontakte („Sixers“) und Softball-Ligen für Erwachsene („Carlos Is Crying“). „Neues Medikament gegen die gleiche alte Depression“, wie er es in „Sideways Skull“ ausdrückt. Es ist das einzige Lied hier, bei dem Finns Charaktere Freude empfinden, oder etwas Ähnliches. Wie der Pyro-Rocker-Protagonist klagt: „Es ist schwer, in einem Halfway House voll zu rocken.“ — SG

Die Long Island-Brüder Brian und Michael D'Addario wurden schon immer fast ausschließlich vom Rock der Zeit vor 1983 beeinflusst, und als sie erwachsen wurden, haben sie diesen Inspirationen aus der Vinyl-Ära ihren ganz eigenen Stempel aufgedrückt. Ein melancholischer Faden zieht sich durch ihr viertes Album, und „New to Me“ und „Born To Be Lonely“ denken mit Einfühlungsvermögen und Sensibilität über die Tücken des Alters nach. „Any Time of Day“ hat den Soft-Rock-Glanz eines verlorenen AM-Gold-Klassikers und „Still It's Not Enough“ hätte 1971 auf einer Veranda im Laurel Canyon geschrieben werden können. Everything Harmony ist das bislang schönste Album der Lemon Twigs. Aber es gibt auch eine Tom-Verlaine-Note im nervösen Gitarrensolo am Ende des temperamentvollsten Rockstücks „What You Were Doing“. - ALS

Einer der vielen glückseligen Momente auf UMOs fünfter LP ist „Meshuggah“, ein verführerischer Art-Funk-Song, der viel mehr DNA mit Steely Dan teilt als mit der gleichnamigen schwedischen Metal-Band. Es ist, als wäre Bandleader Ruban Nielson eines Tages neu besessen von Gaucho oder so etwas – Groove ist ein Anker in seinem gesamten Katalog, vom Lo-Fi-Psych-Crunch von „II“ aus dem Jahr 2013 bis zum jazzigen Experimentieren von „IC-01 Hanoi“ aus dem Jahr 2018. Aber selbst in seiner traumhaftesten Form befindet sich V auf einer anderen Ebene der Seele, vom Palmentanz von „That Life“ bis zum R&B-Sound und der Gitarrenhelden-Präsentation am Höhepunkt von „The Garden“. — RR

Wenn eine DIY-Band bei einem erstklassigen Indie-Label unterschreibt, machen sich Fans oft Sorgen, ob der frühere, schäbige Charme inmitten einer traditionelleren Musikgeschäftsvereinbarung noch erhalten werden kann. Glücklicherweise hat sich Matador als die richtige Heimat für das experimentelle Indie-Pop-Duo Water From Your Eyes erwiesen, eine der wenigen jungen Bands von heute, die dem Spitznamen des Genres alle Ehre machen. Die introspektiven Texte von Rachel Brown werden mit ausdruckslosem Ton vorgetragen und finden Humor im Chaos des Lebens, während die polyrhythmischen Klänge des Multiinstrumentalisten Nate Amos das frenetische Wortspiel von „Barley“ und den sardonischen Schlusstrack „Buy My Product“ ergänzen. „Everyone's Crushed“ markiert für das Duo eine aufregende neue Ära in der Indie-Big-Liga und zeigt seine umfangreiche Bandbreite. — TT

Während einige Indie-Alt-Country-Bands versuchen, Ruhm zu erlangen, indem sie Big Thief nachahmen, hat Wednesday seine Kult-Anhängerschaft aufgebaut, indem sie einen völlig anderen Weg eingeschlagen hat. Die Gruppe aus Asheville, North Carolina verschiebt die Grenzen dessen, wie Country klingen kann – Lap Steel wird auf ganz andere Weise verwendet, als man erwarten würde, und trägt zu üppigen, von Shoegaze inspirierten Landschaften bei. Das Ergebnis ist etwas Eindringliches und doch Verführerisches, wobei die Texte der Intensität des bezaubernden Klangs entsprechen. Bandleaderin Karly Hartzman mythologisiert ihre Heimatstadt und lädt Sie ein, sich in Songs wie „Hot Rotten Grass Smell“ und „TV in the Gas Pump“ von der Düsternis dieser Stadt verzaubern zu lassen, während wir an verlassenen Straßen, außer Betrieb befindlichen Leuchtreklamen und Autobahnen vorbeiflitzen Schilder fallen herunter. Zwischen der Genreüberschreitung und dem Geschichtenerzählen gibt es viel zu bieten, das Sie begeistern wird. Es ist auch ein seltener Moment, in dem eine Band, die nicht aus einer Großstadt kommt, zeigt, dass sie gedeihen kann und gleichzeitig ihre Heimat liebt. — TT

Schuld daran ist die Pandemie oder nicht, aber die Dinge haben sich in der Welt von Wolf Eyes in den letzten Jahren verändert: ein Aufenthalt in der New York Public Library, eine fortlaufende Zwei-Mann-Besetzung und eine Ästhetik der Kunstwelt, die begrenzt (manchmal gravierend) ist ) physische Editionen, die gleichzeitig als ausgeflippte Gemälde und Illustrationen dienen. Was sich nicht geändert hat, ist die Hingabe des Duos aus Michigan an einen ständigen Strom feuchter, schlangenartiger Nachtangst. Ein weiterer Hingucker in einer starken, subtilen Spätrenaissance, einschließlich des intensiven letztjährigen Dumpsters & Attitude, Feedback & Drums Vol. 2 ist im Großen und Ganzen wie angekündigt: psychoaktive Bläser, ursprüngliches Stöhnen, gleitende Verzerrung und Effektpedalketten, die von Sasquatch zügellos getreten werden, wenn Sasquatch ein ausgezeichnetes Gespür für das Tempo und ein paar Achsen zum Schleifen hätte. — RC

Keine Band bringt Elan, Fortbewegung und Herzschmerz besser in Einklang als Yo La Tengo. Auf seiner 17. LP präsentiert sich das Trio zum ersten Mal seit langem wieder in seiner unverkennbarsten Form und verwandelt die strapazierten Nerven des Mittelalters in Rock'n'Roll, der Ihre Synapsen mitreißt, untertaucht und still durchdringt. Das aufrührerische, knirschende „Brain Capers“ fluoresziert wie ein überlasteter Sicherungskasten, während das schlaue „Tonight's Episode“ Niedergeschlagenheit mit Jo-Jo-Trick-Prahlereien und einer der erlesensten Basslinien von James McNew zum Ausdruck bringt. Und während der Titelsong eine eheliche Shaker-Hymne an die Torheit ist, sich von der einzigen Welt, die wir haben, abzuwenden, findet sich beim ohnmächtigen „Miles Away“ die Schlagzeugerin/Sängerin Georgia Hubley an der Spitze eines Songs, der der Primetime von „Enya“ am nächsten kommt jemals erreichen. — RC